声乐教学法自考真题及答案

第一节：歌唱状态的形成      自然声乐教学法在进行教学的过程中，训练的方法是非常简单的，尤其在最初的训练当中，每次上课翻来覆去就是几个固定的训练动作，而且每次上课都是又喊又叫，可参加训练的学生却有非常深刻的体会。因为自然声乐教育法并不是表面看到的通过简单的几个动作就解决声音问题的，这些动作训练的目的是为了进行情绪调动，我们在发生的过程中，身体原本就是两个力量在支撑声音，一个是肌肉力量，一个是神经力量，我们肌肉力量的获得是比较容易的，所以在上课的过程中进行了几个简单的动作训练，都是为了让我们快速的通过肌肉的力量来推动声音。很多学员通过简单的动作就可以找到肌肉力量，却很难找到精神力量的推动办法。因为对于神经力量，有的人能够感受得到，有的人感受不到，因为神经力量不像肌肉力量那样，有明显的身体动作来支撑，因为在教学当中，难用准确的语言描述神经力量到底是什么，如果学生本身不敏感，又听不明白，神经力量到底是什么，就很难能够找到神经力量的推动，这个问题对于男生来说显得更加突出。       学生自己很难通过自我练习找到神经力量的支撑，因此就需要依靠上课中的课堂气氛、情绪调动、相互的观察、教师的指导来寻找神经力量的支撑。比如在上课的时候，经常会用一些玩笑来调动学生的情绪，也会用一些游戏提高学生的精神紧张度，尤其是在做简单动作训练的时候，有很多学生，由于小动作很多，会做出非常滑稽的动作来，在调整和改正这些动作的过程中，不仅增强了课堂的氛围，同时也提高了学生的情绪状态。当学生的情绪被调动起来之后，各种各样的发生问题，就会慢慢消失，那些影响发声姿态的小动作也会减少。         从训练动作的对比上就可以看到每个人声音的问题，标准化的声音动作可以获得通畅的声音，可由于每个人的性格以及情绪状态的不同，几乎没有学生可以很快的做到动作的标准化，于是我们就可以明显的听到，各种个性化小动作对声音的影响。于是，学生个性越强，想法越多，在训练的过程中夹带的小动作就越多，很多动作在标准化动作的对比下就会显得非常滑稽，这种滑稽的动作，不禁引起周围同学大笑，做动作的学生自己也会忍不住大笑，最有意思的事情就是，随着课堂气氛越来越热烈，人的情绪也不断在释放，当大家都融入到这种热烈的状态的时候，那些小动作会越来越少，动作也会越来越标准化，其实在这个过程中，根本就没有进行过任何动作的矫正，仅仅是依靠情绪的带动，动作就越来越标准化了。也就是说，表面看仅仅是一个课堂气氛的调动，可实际上由于学生情绪的变化，以及相互之间的融入状态，减弱了学生的个性以及想法。当学生的动作越来越标准化的时候，声音就会更加通畅和明亮。以这个角度上说，发声技能的掌握，不仅仅是靠不断认真的重复动作就可以获得的，情绪调动的本身就是一个非常好的发声技能训练。       我们学习的过程，并不是一个改变的过程，我们所有的改变都是基于头脑中的一个想法，而且改变的本身就会制造出各种声音的问题。我们要明白，人的状态就像千层饼一样，每一层都不一样，我们很多生活的习惯都与状态有关系，不同的状态就会产生不同的生活习惯，我们在声音中的很多问题都是与个人的歌唱状态有关系的，我们不是要去想方设法的改变那些问题，因为即使我们经过不断的努力把问题改变了，只要状态没有变化，很快那些问题就又出现了。这也就是为什么很多学生在学习声乐的过程中，总是出现各种问题的反复，很多学生经过几年、十几年的专业训练，依然还会存在各种各样的基础的声音问题，其实最根源的问题就是他的状态并没有在学习的过程中进行过调整和改变，问题必然会不断的出现。       这就如同一个人发烧了，实际上发烧只是表面的症状，深层的原因是身体的某个部位产生了炎症，如果我们不去寻找那些炎症进行消炎，而是尝试去退烧，虽然发烧的症状消失了，只要炎症还存在，必然还会不断的发烧。       于是在我们的教学当中，所有的技术训练最终体现的就是个人的状态转化而推动状态转化的方式，就是情绪调动，于是，即使很简单的动作，如果不断的重复做到标准化，也是非常难的，因为人的情绪是不断变化的，情绪一变动作就会变，而我们不断强调动作标准化的目的，就是通过动作的标准化控制情绪，并调整情绪状态，进入到适合歌唱的状态当中。         对于没有学过歌唱的人来说，他们所有歌唱的问题，就是因为他们用生活化的状态在演唱，也因此才会出现缺少力量支撑、缺少专注度、缺少情感表现的问题，因为生活本身就是平平淡淡的，不需要像音乐艺术一样需要夸张的表现力。在学习过程中所有的训练，仅仅是为了将生活化的状态，调整到专业的演唱状态当中，所有发声训练的方法，都是对专业歌唱状态的描述，对于每位学习声乐的学生来说，都有两条道路可以选择，一条路，就是不断的调整各种发声训练的动作，通过对身体各个部分的调整，最终获得了专业的歌唱状态。另一条路，就是通过调整情绪状态为主体，直接寻找专业的歌唱状态。当然，这两条方式都有各自的缺点，通过调整身体动作获得歌唱状态的方法，学习的过程会很漫长，因为涉及到歌唱状态的是身体的所有部位，于是我们会看到很多专业学习的过程，就是将身体的所有器官和各部位的机能全部调整一遍，同时如果学生缺少协调性，即使调整到专业的歌唱状态，也会表现的非常僵硬。但是这样训练的优点就是，一步步训练，扎扎实实，训练的效果会相对稳定一些。而通过调整情绪来获得专业演唱状态的训练方式，是一个极其快速的学习过程。经常会在几节课、十几节课就会解决很多专业教学常年无法解决的问题，但同时，由于生活化的状态，会时时对专业状态产生影响，所获得的声音状态会不稳定。         所以自然声乐教学在进行专业学生的训练过程中，前期会采用情绪调动的方式快递获得专业的演唱状态和能力，后期再通过一些发生的技术技能来稳定歌唱状态。       如果要获得最快速的学习效果，依然是要付出非常辛苦的努力，这个努力不是不断的重复各种技术技能的训练动作，也不仅是用大量的时间训练自己的声音，而是要调整自己的生活状态，甚至让自己在生活中都呈现专业化的状态。对于业余学习的学生来说，生活状态对歌唱的影响是最严重的，他们由于投入歌唱的时间和精力都很少，在歌唱中就很容易呈现出生活的歌唱状态来。有些业余学习的学生，具有非常专业的演唱能力，可只要了解他们的生活状态，就会发现，他们几乎把所有的精力和时间都投入到歌唱当中他们的热爱和专注，使他们的生活状态已经几乎跟专业的歌唱状态一致了，这一点是每个学生都要意识到的。我们可以通过调整歌唱状态获得专业的歌唱能力，比如音准高音等等，也可以经过短时间的训练就能够演唱很多专业的歌曲。但是，在音色的调整以及情感表达上，都是短时间无法获得的，都需要长时间专注的对歌唱的热爱，才能形成专业的歌唱状态和能力。       我们人生的成长，不是因为我们有多么的努力，也不是因为我们经历了多少的磨练，而是因为伴随我们成长的是我们年龄的变化，随着年龄的变化，我们的状态发生了变化。而影响状态变化的很大一部分因素，是取决于我们身体的状态，年轻的时候，性格活跃是因为我们充满激情，内心情感的释放愿望。很老的时候，身体衰老了，身体没有了强大的能量，性格也就没有那么活跃了。比如爬1栋楼，年轻的时候能量强，每次都能够冲到几十层，等年龄大了，能量也弱了，每次能够冲到几层就不错了，人在每一层，他的行为和状态都是不一样的。我们在声乐训练过程中，高音的部分就是一个能量快速释放的过程，艺术表演是高于生活的，是需要强烈的释放能力。       生活中有的人表面上显得比生理年龄更年轻，而有的人表面上就显得比较老，而实际上这种状态的差别就是能量释放的能力。能量释放越强，他就越显得年轻，能量释放符合什么年龄，在表面就会显现出那个年龄的状态，而那些显得年老的，就是因为能量的释放也符合了表面显现出来的年龄状态。而这个能量释放的结果就是推动了这个人的行为状态，于是我们所说的专业的歌唱动态，就是一个非常活跃的、年轻的、具有强烈释放能力的状态。       我们平时信任的感觉，其实就是依靠了一些状态来判断的，比如一个生理年龄40岁的人，如果他表面像30岁，那么他无论从穿着打扮以及形态上都会跟30岁的人很相像，因为他有了符合这个年龄人的行为，会让别人觉得他像30岁，甚至因为他自己都忘记了生理的年龄，觉得自己就是30岁。从歌唱的角度说，歌唱状态本身就是年轻的状态，而我们在学习歌唱的过程中不仅仅要学习发声的技巧和方法，也要调整自己的心态，甚至包括自己平时的举止言谈。如果说40岁是我们的生活状态，30岁是我们的专业演唱状态，只有当我们自己都觉得像30岁的时候，才会让别人也觉得我们就是30岁。 第二节：唱法产生的原因         很多学生在学习的初期，都在询问他适合唱什么样的唱法，似乎学习声乐的第一步就应该先确定唱法，在根据选择的唱法进行学习。         生活中有很多事情都是真假难辨的，比如在医学上，有些专家就说，其实轻微的感冒是不需要治疗的，因为无论你是否服药，一周左右感冒都会好，身体是有这种自愈能力的。但是我们到医院看病的时候，医生依然会开很多药，这里面不仅仅是因为治疗的需要了，也许因为某些利益，也许是因为怕担责任。         其实声乐中的唱法也是如此。         现在声乐界上把声乐分成了美声唱法、民族唱法和流行唱法，可从世界角度看，似乎并没有明确的唱法的界定。即使在中国，声乐唱法也是近现代才提出来的，在五、六十年代，出现了很多老一辈的歌唱家并没有明确的唱法上的划分，可实际上流行唱法很早就有了，在解放前旧社会那些唱夜上海，夜来香的歌，那不就是流行唱法吗？可那时候似乎并没有唱法的区分。应该说唱法是老师提出来的，跟学生没什么关系，应该是老师的行业划分。         现在唱法的划分更具体，不仅有美声唱法、民族唱法和流行唱法，很细致的划分出民美唱法、原生态唱法等等，如果我们从声音的特点上来说，就是一个人一个样，一个人一个声，每一个人的声音都是独特的，因为每一个人都是独一无二的，如果以声音的特点来划分唱法，那应该是一个人一个唱法。为什么我们非要用几种固定的唱法来区分呢？       在六七年代的时候，出现了很多老一辈的歌唱家，比如说德德玛关牧村，她们好像没有明确的唱法，虽然他们的老师教给他们的是西方的发声方法，她们也演唱了各种各样风格的歌曲，但她们都并没有明确的划分是美声还是民族。       从声乐历史的发展中，我们就慢慢的证明了这一点，现在有无数的蒙古族歌曲、新疆歌曲、西藏歌曲，都被我们大家熟悉和欣赏，而且流传的非常广泛，比方说蒙古族的歌手布仁巴雅尔演唱的很多歌曲，被很多很多人去传承唱，我们如何衡量布仁巴亚尔的演唱是什么样的唱法？如果说他是民族唱法的话，他整个唱法更像流行歌曲的感觉，你要说是流行的唱法的话，他又唱的是民族歌曲，所以说从唱法的本身来讲，是一种老师界定的概念。       另外还有一点是需要我们考虑的，美声唱法发源于西方，而欧洲人的口腔结构，就与亚洲人有很大的不同，而欧洲人的发音习惯也与亚洲人有很大的不同，以这个角度上说，每一个民族都应该有适合这个民族的歌唱方式，我们可以借鉴欧洲美声唱法的发声方式，但一定要根据亚洲人的口腔结构和语言习惯进行消化和吸收，否则就会出现水土不服的情况，比如我们在舞台上经常会见到很多美声唱法的中国歌唱家，在演唱中国歌曲的时候，口齿不清，吐字盘混，根本听不清他们唱的是什么歌词。         其实我们根本就不应该用什么唱法来区分歌唱的形式，准确的区分，应该以音乐的风格来划分。因为无论我们如何学习美声唱法，我们都不是欧洲人，我们学习的过程只是模仿，就如同欧洲人学中国的京剧一样。这一点上，器乐教学、钢琴教学，要比声乐教学完善的多。在钢琴行业把各种演奏方法称为流派，比如有俄罗斯流派的、德国流派的、美国流派的等等，这些流派所形成的，就是一种演奏的音乐风格，而钢琴学生不是要学习这些流派的演奏方法，而是通过对流派音乐的了解，以个人的角度，对流派的音乐风格进行诠释，这种状态更类似于模仿，也就是说，当学生在演奏欧洲钢琴作品的时候，并不是以学习欧洲钢琴演奏方法作为标准，而是以音乐的表现方式为标准，无论你用什么样的演奏方法，都要以准确的作品的音乐内容为目的。         如果以风格的角度来划分，就意味着会存在许多种美声的唱法，无论你用什么样的方式来歌唱，最终都是以声音和音乐为衡量的目标。表面看与现在的声乐教学目的是一样的，因为现在的声乐教学也是以声音和音乐为目标的，只不过由于唱法的存在，造成学生在学习的过程中，必须固定的以某一种教学方法为标准。         只要我们把某一种音乐风格界定为唱法，就意味着学习的方法是固定的，不会考虑你的身体状况以及人种和性格，无论你现在是什么程度还是状态，都必须按照固定的唱法进行学习和训练。我们一定要明白方法的本身是为了达成目标的手段，比如说一个人腿瘸了，怎么办呢？实际他有很多种办法可以解决，比如可以拄拐，可以做轮椅，可以单腿蹦，也可以卧床，或者可以去医院治疗，可无论他采用什么样的方式，最终的目的只要腿好了就行。可如果治疗的手段成为一种统一标准的时候，我们会认为腿瘸了就必须拄拐，而实际上，不一定所有的人都适合拄拐。         在声乐教学中有一种特别不合理的问题就是固定的唱法，于是，即使你找了1000个老师来教你，你会发现这1000个老师基本都是用一个方法来教你的，几乎是全行业都统一的一种标准在教学，综合教学不应该是这样的，应该更多的体现因材施教，而造成这个问题的最主要原因就是唱法搞的，当我们认定了某一种唱法为标准的时候，整个行业都失去了创造性，全部都会按照这种标准来进行教学，于是无论学生的声音和性格是否适合学习某种唱法，甚至很多学生会放弃掉自己的优势去学习某种唱法。这里我们一定要明白，我们有我们的性格优势，这种性格的特征是很难改变的。当我们去学习，本来就不适合我们的方法的时候，就会呈现出各种各样的个性来，那些原本是其优势的个性，在不适合的环境中就展现了劣势，这就意味着我们很难能够达到标准化的唱法。       因为有了唱法的标准，从我们学习声乐的第1天开始，教学的内容就是解决各种问题，伴随着声乐学习一些过程的，就是各种各样的声音毛病，老师为什么从第1节课开始就给我们挑问题呢？就是因为在老师的心里有了唱法的标准，当把我们跟唱法标准进行比对的时候，他就会看到我们有很多的问题，不单是我们有问题，而是所有的人都有问题，因为那种唱法，标准就是这种理想化的标准，也许世界上只有几个人能做得到，其他所有人都做不到。       这种唱法的问题跟我们的应试教育如出一辙。         一个曾经学过多年声乐的学生问我：我原来跟一个老师学声乐，我第1天上课的时候一张嘴，老师就说我有问题，可我还开始学呢，怎么就出现这么多问题呢？老师说：因为你没学，所以你就有很多问题。       如果我们按照唱法来学习的时候，就意味着我们丝毫不考虑学生的个性，不考虑个人的身体结构、性格特征，完全模仿另外的一种标准，这就如同从我们学习开始，就让我们模仿一个人，不单是做整形手术，还需要求我们在服装、穿着、举止言谈多方面去模仿，试图让我们做的，跟另一个人一模一样，我们能做到吗？         对于绝大部分人来说是很难做到的，也许有极少的人是可以做到相似或接近，这也许就是我们认为有天分的人，可对于绝大部分人来说，我们在学习的过程中付出了巨大的努力，却没有获得与付出相等值的收获。       而那些真正具有专业水平的歌唱家，都是个性很强的人，也许最初会按照老师要求的唱法进行学习，但最终他们都会摆脱老师和唱法的束缚，对唱法进行了消化吸收，并按照自己的个性形成自己的演唱风格，才成为世界顶级的歌唱家，而他们这种演唱的风格，也许又成为了其他老师心中的唱法的标准。而那些完完全全按照唱法进行学习的人，能够获得优秀歌唱能力的人很少很少。         我们在学习声乐的过程中，可以借鉴各种各样的歌唱方法，但我们最终的目的是为了表达自己的情感，唱法和技术只是我们手中的工具，我们只有在最后丢下手中的工具，我们才能够达到最后的目标。我们最终的歌唱目的是要用最真诚的、最真实的状态来表达歌曲的内容，但是往往在现实中如果我们学了方法和唱法，并且根深蒂固的按照那些唱法在发声，我们反而失去了表达能力。         在声乐教学中经常会遇到这样的学生，当他们跟一些完全零基础的学生在一起学习的时候，他们经常会引起同学的大笑，因为他们在训练的过程中经常会做出非常僵硬虚假的动作。其实歌唱中是需要展现自己个性的，如果我们仔细倾听一些老一辈的歌唱家，比如李双江、德德玛、关牧村、吴雁泽等人，会发现他们每个人都有自己独特的声音特点和个性，他们的歌唱充满情感，而且不会被唱法约束。而如果我们听现在的很多年轻的歌手，尤其是很多民族歌手，就会发现他们的声音非常相似，千人一声。很显然，真正民族的东西就应该是不同的民族，不同的声音，不同的歌曲，不同的表现形式才对。         从音乐的发展历史上来看，音乐只有两种形式，一种是民间形式，一种是舞台形式，是民间形式，是没有太多标准的一种民间的狂欢，音乐表现的风格，因人而异，因地方的特色而已。而舞台的表演形式则是有基本标准的，因为在古代无论是西方还是中国舞台的表演都是给皇家贵族进行的，而这些皇家贵族对舞台的表演有明确的要求，最重要的是，那些进行舞台表演的人，并不是为了发自内心的狂欢，他们应该算是第一批专业的演员了。         这里我们需要明白一点，我们在现代社会看到的所有表演形式，都是来自于民间，当我们在观看足球比赛的时候，赛场上的运动员其实就是表演的演员，可足球的起源原本是民间的一种体育锻炼的方式，当演化成表演的时候，足球运动员就已经不是为了锻炼身体的目的了，而是为了通过表演获得某些利益。艺术表演也是如此，中国的舞蹈，分成民族民间舞和古典舞，民族民间舞就是各个民族田间地头的一种舞蹈形式，是一种全民参与的一种娱乐形式。而古典舞就是宫廷舞，是对民族民间舞进行加工之后，专门给皇家贵族进行表演的舞蹈，对于跳舞的人来说，跳舞的本身已经不是一种娱乐，而是一种表演。声乐的发展历史上也是如此，我们现在所说的美声唱法，其实就是西方歌剧的基本表演方法，最初就是为皇家贵族表演的。而在意大利，也有意大利的民族民间唱法，比如拿波里民歌。以这个角度看，所谓的原生态，就是中国的民族民间唱法，而现在所谓的民族唱法，就是一种舞台表演的形式。于是，这里我们要思考一点，我们学习歌唱的最终目的到底是什么？如果是为了娱乐，我们就完全没有必要去学习某些表演形式，如果我们是为了表演，就要放弃自己娱乐的心态。       换句话说，就是如果我们为了自己，我们怎么高兴就怎么做，不用考虑别人的感受，可我们要是为了别人，我们就必须学会控制自己的个性，似乎控制的本身就是一种表演。       我们声乐学习的过程，也在验证着这样的结果，声乐学习要经过释放，控制、融合三个部分，释放的部分就是要学会释放自己的情绪，让自己回归到歌唱最本质的目标上，那就是通过歌唱，表达自己内心的情感和情绪状态。而控制的部分，就是要学会节制自己的情绪，以此建立与他人的和睦关系，这个过程就是学习表演的过程，而融合的部分，就是要二者兼顾，歌唱可以是一种表演，但表演的也是自己真实的情绪和情感。多唱也可以给我们带来利益，但获得利益的前提是我们能够发自内心的热爱。